En el mismo período de tiempo se difundió también la representación de la Addolorada, sin espada, que contemplaba los instrumentos de la Pasión. Se trata de la iconografía de la Virgen de la soledad o La Soledad inspirada en una leyenda religiosa que narra de la Virgen que quedó sola, después de la muerte del hijo, en una capilla frente al Calvario hasta el día de la Resurrección. Este último tema fue tratado de manera especial por los artistas españoles que operaban en el clima de la Contrarreforma y se extendió también a Sicilia, donde en 1590 se fundó en Palermo la cofradía de Nuestra Señora de la Soledad. La iconografía del cuadro en cuestión aparece como una síntesis de los dos sujetos por la presencia tanto de la espada que traspasa el corazón de la Virgen como de la corona de espinas, objeto de la contemplación de la Virgen.
Nuestra Señora de los Dolores
Autor: Pintor desconocido
Fecha: Fin sec. XVII
Material: Óleo sobre vidrio
Dimensiones: cm 41×31,5
Lugar: Milazzo, iglesia del SS. Crucifijo en San Papino
La pintura, que con mucha probabilidad en el origen fue colocado a los pies del crucifijo en la capilla homónima de la iglesia de San Papino, representa la Virgen Dolorosa, atravesada por una espada mientras contempla la corona de espinas que tiene en sus manos. La prenda, ligeramente reclinada, está enmarcada por un gorro blanco que deja salir los movimientos de las hebras del pelo en el hombro, mientras que el velo azul cubre parcialmente el vestido blanco, bordeado de oro. El tema de la Virgen Dolorosa se presenta como una simplificación de los Siete dolores de la Virgen, tema representado con el atributo iconográfico de las siete espadas que hieren el corazón de María. Es una representación fiel de lo que se lee en el evangelio de Lucas a propósito de la profecía que Simeón hizo a María, el día de la presentación de Jesús al Templo, revelándole que una espada le atravesaría el alma. Este tema, que en el siglo XVI interesó sobre todo a los artistas del norte de Europa, se encuentra en obras italianas y españolas durante el siglo XVII.
El diseño general de la pintura parece basarse en un modelo, tal vez conocido a través de la circulación de grabados que se difundieron para dar impulso en el siglo XVII al culto de la Virgen de los dolores. Sin embargo, el rendimiento de las sombras del rostro, la suave tela y los detalles anatómicos revelan la mano de un artista experto capaz de dominar la técnica de pintura sobre vidrio. Hay que tener en cuenta el hecho de que la pintura sobre vidrio se caracteriza por el uso constante de grabados, dibujos y modelos derivados de la pintura de dimensiones monumentales, como ocurre a menudo también en las miniaturas porque prevalece su función devocional. El hecho de que la pintura sobre vidrio, llegada a Sicilia hacia finales del siglo XVII, tarde en comparación con otras partes de Europa, se caracterizó por un diseño incierto y un estilo bastante popular con colores brillantes, manifiesta la ausencia de talleres especializados en la producción de dichas pinturas.
En general, la obra, de excelente mano de obra, es atribuible a finales del siglo XVII, como también sugería el marco contemporáneo con grandes giros de acanto tallados y dorados que embellecen la pintura. El modelo iconográfico, en cambio, podría remontarse a las primeras décadas del siglo, cuando circulaban obras caracterizadas por un moderado patetismo, nacidas para satisfacer las instancias controriformate y en las que confluían aún elementos estilísticos manieristas, Frecuentemente influenciados por la pintura flamenca contemporánea. Es difícil, por lo tanto, asumir la atribución y también se puede suponer que el cuadro, destinado a la devoción privada, pudo haber sido realizado fuera de Sicilia y luego comprado por la noble familia Baele que, como atestiguan las fuentes, Patrocinaba la capilla del Crucifijo.
Buda V., Lanuzza S. (a cura di), Tesori di Milazzo. Arte sacra tra Seicento e Settecento., Milazzo 2015